L’association Les Trois Ourses, créée en 1988, a pour objet principal l’éducation artistique des enfants en mettant  » le livre au centre « .

Les Trois Ourses éditent, coéditent et diffusent des livres d’artistes, ainsi que des expositions et ateliers pour enfants et/ou professionnels. Leurs sélections d’artistes et de livres sont extrêmement pointues, et variées. Bruno Munari est sans doute l’artiste le plus emblématique de la collection. Il a développé des concepts de livres à la fois artistiques et pédagogique, questionnant la nature et l’utilité du livre.

Bruno Munari © DR

Nous remercions les Trois Ourses de nous avoir fait confiance et de nous avoir fait découvrir des artistes et des livres remarquables.

Le site internet : lestroisourses.com

Coordination Trois Ourses : Anaïs Beaulieu
Conception / graphisme : Juliette Champain
Développement : Antoine Doury

—

Les Ferrofluides de Sachiko Kodama

Le ferrofluide est un étrange liquide de synthèse utilisé en 1060 par la NASA, puis plus tard par les industries. Ce liquide est composé de nanoparticules d’oxydes de fer devenant magnétique au contact d’un champs magnétique extérieur. Dans certains cas, et si le champ magnétique est suffisant, il se hérisse de pointes dont la topologie varie selon les paramètres du champ.

Sachiko Kodama est une artiste japonaise.
Elle entame son travail sur les ferrofluides en 2001 avec l’installation interactive Protrude Flow. Des micros captent les sons environnants. Les sons sont convertis en force electromagnétique et transforment la structure du fluide. En 2008, elle présente une nouvelle sculpture de ferrofluides, intitulée Morpho Tower qui réagit cette fois au rythme d’une musique. Les pointes de ferrofluide dansent autour de 2 spirales en fer et oscillent selon la force du champ magnétique. L’animation des fluides est scotchant, un comportement entre artificielle et naturelle.

Protrude, Flow 2008 (2008) Sachiko Kodama

Cliquer ici pour voir la vidéo.

Morpho Tower / Two Standing Spirals (2007) Sachiko Kodama

Fleur magnétique – Sculpture cinétique de Laurent Debraux

Une autre sculpture cinétique, intitulée Fleur Magnétique et présentée fin mai 2010 aux portes ouvertes des ateliers d’artistes de Belleville, à Paris par Laurent Debraux.
Plexiglass, Aimants, Moteur, Liquide ferro-magnétique.
Prises de vues et Montage : Guillaume TAVERNE / Musique : Sylvia Howard – I wanna go somewhere.

Cliquer ici pour voir la vidéo.

Fleur Magnétique (2010) Laurent Debraux

Unsichtbar – sichtbar

(Traduction : Invisible – Visible). Et voici un Drawing robot réalisé par Eva Merckling, Dania Vifian, Sarah Villiger, à l’Institute of Media Art, FHNW, en 2007, dans le cours de  »Robotics and Automats » de Andres Wanner.

Cliquer ici pour voir la vidéo.

Drawing Robot (2007) Eva Merckling, Dania Vifian, Sarah Villiger

Avis aux amateurs : on peut trouver du ferrofluides sur ebay pour 10 dollars, …

Je profite donc de ce plongeon geekesque pour faire la présentation de différentes installations interactives toutes plus épatantes que les autres. La première partie porte sur les installations interactives haptiques. L’haptique désigne la science du toucher.

—

Mesa de arena / SieteMedia

La première installation est mexicaine. La Mesa de arena « table de sable » est une des nombreuses tables interactives conçues par l’agence SieteMedia de Mexico. Elle est présentée dans la partie Futuro de Campus party, au côté de Stop-it. L’installation se compose d’une table lumineuse entièrement recouverte de sable, et d’un écran de projection. Le public s’installe autours de la table et esquisse dans le sable une première forme lumineuse. Pendant ce temps, le dessin est projetté à l’écran, en temps réelle et subit plusieurs effets kaléidoscopiques.
L’expérience est vraiment très agréable, presque instinctive, primitive… c’est un vrai plaisir de dessiner avec du sable et de la lumière!

Video

Dessin de sable et de lumière, Mesa de Arena (SieteMedia)

Relief / Daniel Leithinger, Adam Kumpf, Hiroshi Ishii, tangible media group MIT

Je poursuis avec une autre interface malléable, qui d’ailleurs me rappelle ce drôle de jouet composé de petits clous métalliques sur lequel on appuyait notre visage.

Relief est un projet récent (2009), mené par le Tangible Media Group (MIT), sur le rendu d’animation 3D d’un relief en mouvement. Voici donc une table circulaire à la surface évolutive… composée de 120 «axes» motorisées. Le tout est recouvert d’un tissus en lycra sur lequel un paysage est projeté. Chaque axe est capable de répondre individuellement aux mouvements des utilisateurs et/ou aux données géospatiales envoyées par ordinateur (capteur / actionneur). Deux actions possible : tirer ou pousser.

Pour + infos et pour les éloctro-bricoleurs : Afin de minimiser les coûts et la complexité du système, toutes les parties de la table ont été construites à partir de composants disponibles dans le commerce (Potentiomètres, Arduino, moteurs DC, moteur Ladyada) et les logiciels utilisées sont des logiciels libres (Processing).

De futures versions sont prévues : différentes tailles et forme, sculpture d’outils, controleur de musique, versions connectés pour des collaborations à distance, etc.

Le projet était exposé au Ars Electronica Festival, 2009

Cliquer ici pour voir la vidéo.

120 axes en aluminium, Relief (2009)

Le public interagit sur le relief de la surface, Relief (2009)

peg block / Ben Piper, Matthew Karau, Beto Peliks and Hiroshi Ishii, tangible media group MIT

Un deuxième projet des génies du Tangible media group, plus ancien cette fois (2001). Il est basé sur le prototype d’un projet d’élève Ben Piper, réalisé en classe de physique du MIT Media Lab et se défini comme un moyen de communication à double sens utilisant le toucher.

Peg block est en faite un ensemble d’interfaces tactiles, toutes identiques : un tableau en bois dans lequel est enfoncé des chevilles. Tous les tableaux sont reliés en réseau. Chaque utilisateur dispose d’un tableau et peut manipuler les chevilles, les faisant glisser d’avant en arrière. Le mouvement est converti en électricité et reconverti en mouvement vers la cheville d’un des tableaux du réseau. Chaque cheville peut donc agir selon 2 modes :  produire de l’électricité à partir d’un mouvement, et reconvertir l’électricité en mouvement.

Download

Echanges entre 2 tableaux, Pegblocks (2001)

L’expérience est à la fois ludique et didactique. J’ai trouvé justement un article à ce sujet où PegBlocks est utilisé comme un jouet éducatif pour illustrer certains principes de base de physique aux élèves du primaire.

SCENARIO Un groupe d’enfants de maternelle et leur enseignant s’asseoient autour d’une table de classe. L’enseignant distribue un ensemble de jouets en bois PegBlocks et les dépose sur la table. Ensemble, les enfants et leur enseignant mettent en réseau les blocs en utilisant un ensemble de câbles électriques. Lorsqu’un réseau est complet les enfants manipulent alors les PegBlocks et peuvent observer comment l’énergie cinétique qu’ils mettent dans le système est redistribué sur le réseau. Grâce à ce genre de jeu interactif les enfants commencent à développer une compréhension plus intuitive d’un certain nombre de principes de physique abstraite.

Tensión superficial / Crowe, Rusjan & Wloch

Tension superficial est une installation interactive présentée en Argentine durant l’exposition «estados del agua». A la présence de visiteur, la surface de l’eau réagit, tremble, se resserre…

Cliquer ici pour voir la vidéo.

Liens vers Jorge Crowe

Miranda july dresse le portrait de gens ordinairement humain avec un humour farfelue et une inquiétante étrangeté planant le long de son premier long métrage « Me and you and everyone we know », en français « Moi, toi et tous les autres ».

Il y a Richard, vendeur de chaussures et papa de 2 petits garçons; Il y a Christine, artiste contemporaine et chauffeuse de taxi pour les personnes âgées, puis il y a « tous les autres »… Tous les personnages du film sont plus ou moins déconnectés de la terre, un peu mal dans leur peau, en quête d’expérience, de sexualité, de reconnaissance mais pas si naïfs qu’ils en ont l’air.
Le film est sorti en 2005 et a été primé au festival de Cannes. C’est comme ça que j’ai entendu parler de Miranda July, pour la première fois. L’artiste jouant son propre rôle à travers l’un des personnages principaux, Christine, on découvre la réalisatrice en même temps que son film – c’est assez plaisant, comme l’impression de mieux percevoir son film et son univers.
L’artiste américaine est originale, pas formatée, très féminine, et son film d’auteur ne m’a pas laissé indifférente.

Son travail s’étend aussi à d’autres domaines que la vidéo, elle écrit, je viens de lire un bref instant de romantisme, par curiosité. On retrouve son univers déglingué mais il faut bien s’accrocher pour entrer dans le délire de l’artiste.

Learning to love you more

Learning to love you more est un site web dans lequel Miranda July et Harrell Fletcher ont demandé à des gens ordinaires de participer en répondant aux 70 demandes des 2 artistes. Le résultat est très drôle, voici quelques extraits :

67. Repair something.

64. Teach us an exercise.

50. Take a flash photo under your bed.

16. Make a paper replica of your bed.

Miranda July celebrates the movie extra

Pour finir. Voici ces dernières performances photographiques, elle remet sur le devant de la scène les figurants de grands films classiques.
Pour en voir plus visitez le blog de beautiful decay

« Daumier du fil de fer »

Alexander Calder est né en 1898 aux États-Unis, descendant d’une lignée de sculpteur, il reçoit une double formation d’ingénieur et d’artiste. En 1926 il arrive à Paris et commence sa véritable carrière. Bricoleur de génie, il met au point les mécanismes les plus astucieux pour animer ses créations, souvent des animaux et en particulier ces célèbres mobiles. Des formes géométriques colorées suspendu en l’air. Primitives et libérées, elles marqueront son passage vers l’abstraction !

Il affranchit la sculpture et fait du mouvement un matériau à part entière!

Cader’s Circus

Un peu moins connu que ces mobiles, je voudrais vous parler de « Calder’s Circus », l’une de ses œuvres les plus importantes, (1926-1931), elle tient dans 2 valises, elle lui a ouverte les portes des ateliers parisiens de l’époque et lui a permis de rencontrer d’autres artistes devenus aussi emblématiques de l’art moderne : Mondrian, Léger, Miro et Duchamps. Et voilà le cirque de Calder :

Alexander Calder met en scène son propre cirque. Agenouillé derrière les rideaux rouges, il manipule les « circassiens » de fil de fer et de bouts de chiffons, et enchaine les numéros face à un public attentif au moindre détail! Montage du filet pour la trapéziste, bonne réception de l’acrobate sur son cheval, domptage et dressage du lion, tout ce qui se passe est du spectacle.
A l’heure de la grande illusion, du toujours plus gros et plus grand, le plus petit cirque du monde n’a pas d’égale, c’est ingénieux, c’est beau, quel plaisir !!
Le film « Le grand cirque de Calder » de Jean Painvelé est présenté dans la salle 1 du musée. Il met en image l’artiste en pleine représentation.

Cette création et les représentations que Calder en donna peuvent être aujourd’hui considérées comme l’un des premiers exemples de performance, définie par la présence même de l’artiste, le rôle de l’improvisation dans ses commentaires, l’enchaînement des numéros et le choix des lieux autres que des théâtres pour le spectacle.

Et pour finir une vidéo de l’artiste qui dessine …

Alexander Calder, Berlin 1929 und 1967
envoyé par leofourastie

Diplômé du MIT Media Laboratory, Golan Levin est un des artistes contemporains du monde numérique, celui que je citerai en exemple la prochaine fois que je devrai expliquer à ma famille la voix dans laquelle je me dirige… les nouvelles formes de création, utilisant le code informatique autrement dit les « œuvres interactives ».
Il créée donc des applications, des outils à but esthétique ou non, manipulables ou non, des projets simplement surprenants.
Les infos en français sur ses œuvres : fondation-langlois
Le site de Golan Levin : www.flong.com

J’ai trouvé une interview de Golan Levin, très riche, à propos de l’interactivité, l’aléatoire, l’art génératif…

Les «œuvres d’art générées à partir d’un logiciel » («generative software art»), comme on les comprend habituellement aujourd’hui, sont le produit d’une pratique artistique qui utilise des algorithmes mathématiques pour produire automatiquement ou semi-automatiquement des expressions dans des formes artistiques plus conventionnelles. (…)

Avec cette définition, « faire du Multimédia » prend alors tous son sens, un moyen et un support englobant tous les arts.

(…) C’est une chose d’être capable d’apprécier la beauté surgissant de résultats inattendus, mais nous devons aussi réaliser que nos algorithmes sont également capables de froideur et de laideur, ou nous n’apprendrons jamais rien.(…)

Il pose un regard très juste sur le potentiel du numérique sur la quantité et la qualité, la fascination de l’artiste ou du spectateur devant l’œuvre générative.

(…) À une époque, j’évitais presque religieusement de recourir à l’aléatoire dans mes œuvres, et j’en étais fier. Mais il s’est produit un tournant, un jour alors que j’étais étudiant au Media Lab. J’avais été invité à faire une démonstration de mon logiciel devant le premier ministre de l’Autriche. C’était un homme énorme et très grand, avec une solide poignée de main et jouissant d’une indéniable autorité. Comme je lui faisais la démonstration de mon logiciel, j’ai insisté sur le fait qu’il n’y avait aucun caractère aléatoire dans les algorithmes : tout ce qu’il voyait était entièrement en fonction directe des mouvements qu’il imprimait à la souris avec sa main. Il s’est tourné vers moi et m’a demandé: « mais qu’y a-t-il de mal dans l’aléatoire ? La vie elle-même est aléatoire. » J’ai pensé que c’était d’une grande sagesse. Ainsi, après tout ce que j’ai pu dire, j’admets aujourd’hui de manière un peu embarrassée que j’emploie effectivement l’aléatoire, particulièrement sous la forme de bruits statistiques à haute fréquence et basse amplitude. C’est en fait essentiel pour générer toutes sortes de textures organiques. Sans cela, la plupart des systèmes génératifs sembleraient sans vie, trop réguliers, et ennuyeux.

ET mes 2 coups de coeur:

- Messa di Voce (Golan Levin & Zachary Lieberman)
- Interstitial Fragment Processor

-

C’était très intéressant, un sujet passionnant et un public aux réactions virulentes!

Quand l’art dépasse les bornes
Art contemporain & graphisme :
glissement de terrain ou conjonction naturelle?
par Etienne Bernard

Commissaire d’exposition, délégué général du Festival international de l’affiche et du graphisme de Chaumont, critique d’art … Etienne Bernard a analysé le sujet, rapprochant l’art et le graphisme dans leur espace d’exposition. Quand les graphistes investissent les musées…

Le conférencier cite l’exemple de Chaumont : exposition 2003 dans la Chapelle des Jésuites par les célèbres M/M. Revisitant l’affiche en plaçant les leurs dans des « MUPI » (Mobilier Urbain Pour l’Information) redesignés pour l’occasion, les graphistes s’inscrivent dans une démarche artistique et un process d’expérimentation. Il transforme leurs objets graphiques en œuvres d’art.
L’expérience semble une réussite, même si le graphisme d’excellence mis en avant depuis quelques années énerve quelques jaloux.

Le dernier exemple en date soulève encore plus d’émois dans le public, pas de la jalousie cette fois mais plutôt de l’incompréhension. L’exposition du collectif Metahaven au CAPC de Bordeaux, « AFFICHE FRONTIÈRES » : investir les emplacement publicitaire de JC Decaux dans toute la ville avec une sélection d’œuvres pour les confronter à un environnement désigné… Une expo pour ma part (vu de nos yeux) super décevante pour des explications un peu trop pompeuse.

Ce que j’ai retenu : le danger est de « muséifier » le graphisme, et d’en oublier la réalité du vrai métier, mais tant que les graphistes restent dans une démarche d’expérimentation ou de recherche, de collaboration avec des artistes, les résultats montrent un véritable intérêt.

Pour les curieux, voilà les prochains rendez vous des MARD!
le 2 décembre 2008 à 19h
Art et espace domestique :
quelles limites?
par l’Ambassade

le 10 février 2009 à 19h
Jeux vidéos et peinture plate :
l’écran est-il un tableau?
par Jill Gasparina

Le travail du danois Olafur Eliasson est très grand!
« your house » est une sculpture, un livre découpé au cutter réalisé par l’artiste d’après sa maison de Hellepur au Danemark.
Une maison « vide », 2 étages, un grenier, une cave, une quinzaine de pièces, des murs blancs, que l’on découvre petit à petit ; en tout 908 pages à traverser! Chaque page représente une coupe très fine de la maison, en tournant les pages, on passe à travers les murs et on découvre l’espace de la maison.
Je l’ai découvert au milieu d’une double page du très beau livre sur les livres « the fully booked« .

« your house » est visible au Musée d’art Moderne de New York. Il existe 225 exemplaires, pour en savoir plus sur sa fabrication : www.kremo.de/html/yourhouse.htm

L’approche de la maison et du livre à la fois, est absolument réussi! C’est géniale d’avoir relié les deux de cette façon. La maison comme les livres sont des espaces qui contiennent des histoires, lieu de vie ou lieu vide.
En cherchant sur son site j’ai trouvé d’autres de ces travaux sur les maisons.

Your invisible house, 2005
Your Lighthouse, Kunstmuseum, Wolfsburg, 2004
Take your time, 2008

Et quelle coïncidence en écrivant le message! Je m’aperçois que cet été nous avons pu voir sont travail photographique au musée des arts de Reykjavik / Kjarvalssatadir, une exposition thématique sur les « Rêves du Sublime et de l’Environnement dans l’art contemporain islandais ».

L’idée est simple et coule de génie, les spectateurs prennent place à l’intérieur du camion Bulgare, le chauffeur se présente et sa traductrice traduit. Ventzislav conduit des camions depuis plus de 20 ans, il transporte des marchandises vers l’URSS, la Syrie, l’Europe, l’Iran pour une très grosse compagnie Bulgare…
Ce soir nous sommes sa cargaison, il va nous faire découvrir son métier, sa vie, les douaniers croates, Rungis et ses palettes de poissons, les stations essences de Serbie, les scandales financiers de Willy Betz, une chanteuse au milieu d’un rond point comme tout droit sortie d’un film d’Emir Kusturica, … Un humour insolite et un peu « Deschiens »… Je n’en dis pas plus si certain ont la chance d’y participer.

Idée, concept : Stefan Kaegi
Mise en scène pour Paris : Jörg Karrenbauer
Avec Ventzislav Borissov et Nedyalkov, Valentina Traïanova (chanteuse), Theodora Borissova (interprète)
Vidéo : Vladimir Miller
Son : Simon Begemann
Assistance Paris : Agnès Fanget

Pour en connaître plus sur Rimini Protokoll

A découvrir ici les savoureux spectacles du Suisse Stefan Kaegi et de sa compagnie Rimini Protokol, qui pratique ce qu’on pourrait appeler le documentaire théâtral, une sorte de «Strip-tease» sur scène, à l’instar de la célèbre émission de la RTBF.

(…) Stefan Kaegi, jeune metteur en scène de 33 ans était déjà connu des initiés en Belgique pour y avoir monté, dans le cadre du KunstenFESTIVALdesArts, un spectacle autour des ex-Sabeniens. À ses débuts en 2000, Kaegi crée un spectacle avec des vieilles de 80 ans, choisies dans un home de Zurich. Le metteur en scène avait remarqué que conduire les chaises roulantes actuelles demandait une technologie digne de la Formule1. Et avait alors imaginé un spectacle où ces vieilles racontaient leurs souvenirs de pilotes de course. Mais comme à cet âge on a du mal à connaître son texte, il y avait des souffleurs dans les coulisses qui agitaient le drapeau rouge pour leur dire «attention au texte», ou le drapeau jaune pour «attention au dépassement».
Le secret de Rimini Protokol est d’agir d’abord en journalistes, découvrant des «vraies» situations de vie avec de «vrais» gens. Avec ces «non-acteurs», Stefan Kaegi parvient alors à monter des spectacles très originaux avec une extraordinaire force de vie.

(…) Leur proxilité n’a d’égale que leur inventivité et leur art de jumeler les concepts et les contextes pour dégager tout un espace de réflexion entre deux pôles parois très éloignés.

Le jeudi 15 mai, l’association des Trois ourses, fêtait ses 20 ans et organisait une journée de bonheur!!! Les trois créatrices avaient invité Katsumi Komagata, auteur de livres en papiers découpés destinés à la jeunesse et beaucoup d’autres artistes.
Sophie Curtil nous présenta son livre Léo ou Ali, un livre à lire avec les doigts sur la réalité de la cécité, Louise-marie Cumont un livre consacré au tissus de camouflage en espérant que les mamans n’habilleront pas leurs enfants avec, et Milos Cvach nous raconta sa version de l’histoire du livre dans tous les sens, et puis Ianna Andreadis, et Marion Bataille, enfin pleins d’artistes qui m’ont fait rêver!

L’opération « 20 ans de livres épatants » de la collection des Trois Ourses exposait jusqu’au 21 juin à la Bibliothèque francophone multimédia de Limoges.

Des catalogues, des rééditions de livres introuvables, des création nouvelles, des livres d’artistes sont publiés, diffusés et défendus par cette association à partir d’expositions, de rencontres et de formations. Les Trois Ourses travaillent à mettre en valeur le travail de Bruno Munari, de Katsumi Komagata, d’Enzo Mari, de Fédor Rojankovski (je prépare un article sur eux). Ils transforment les livres en jouets, des livres d’artistes qui laissent part à l’imagination des enfants, des artistes qui s’approprient le livre pour le rendre aux enfants.

« Il faut créer la surprise si on veut qu’un enfant revienne vers le livre »
Bruno Munari

Le mook, le livre-magazine de ceux qui désirent le monde autrement.

La maison d’éditions « autrement » propose un magazine très intéressant, pour en connaitre plus sur ces artistes qui créent pour les enfants, pour l’acheter et le lire c’est ici.